说到动态，相信大家第一反应通常是声卡或者说音频接口输出部分所标注的dynamic range（动态范围）。比如apogee symphony i/o mkii的输出动态范围就是129db，通常我们千元级能达到的动态范围是100db，那么在很直观的数字对比下，我们就可以理所当然的得出结论——apogee symphony明显优于千元级的声卡（当然也更贵）。
事实上，动态这个单词所表达的意义是非常模糊的。是相对主观的一个有所参照的对比概念，通常都是这样描述的，原声钢琴比原声吉他的动态大，或者一百把小提琴群奏的动态比一把小提琴独奏的动态大。
而影响动态水平的最主要因素，就是声音的响度。
又事实上，声音的响度其实也不是一个完全的可测量具体量化数据，响度其实是声音波形的上下摆幅差，所产生的主观听感的一个对比概念。而影响响度的，就是声压级！
别担心，下面不会有第三次事实上的澄清了，大家可以放心的使用声压级概念作为量化标准。因为声压级是一个确确实实有科学依据的能够准确量化的数值。
很遗憾，文章开篇不得不引用这三个枯燥乏味的名字解释，因为日常生活中，甚至很多录音师混音师，一直在混用这四个关联紧密却完全不同的概念。
简单的总结一下，中学物理课本里关于声音的第一节课讲到的，飞机引擎的噪音大于120db中的db，全写应该是db spl，就是量化后的120db的声压级。通常我们生活中描述声音大小多少分贝其实都是通过脑放自动转换为声压级来描述的。
响度则是单纯用来描述声音波形的最高点和最低点中间跨度的，比如乐器的基准音高就可以用响度幅度来描述，当然也是相对的概念比如你那钢琴比我吉他响。
而动态，则是一个更加完整的感官上的声音强度表达方式，响度虽然是影响动态大小最直接因素，但是并不是唯一的。频率也是影响动态的一个关键。比如，一个20hz的理论听阈极限低频往往需要把其声压级提升到75db才容易被察觉到，而一个1khz的中频往往很小的声压级就可以聆听和判断了，一个10khz的高频只需要18db就能听得比较清楚。人耳的听音特性也就造成了动态描述的复杂性质。
再一次回到日常中，我们通常描述的动态大部分情况下是说动态范围。比如交响乐动态就大，电子舞曲的动态就小，其实都是在描述动态范围。当然在很多音乐欣赏者的角度，动态就变成了一个比较暧昧的响度概念。比如某人听某乐队的某nu metal风格曲目，主歌的失真节奏吉他部分很响，副歌的原声吉他就弱很多，嗯，失真吉他给劲啊，动态大！
说这么多概念，其实并不是希望大家能够严格区分使用环境使用场合将这些名词标准化使用，而是希望大家能够真正清楚日常中的词汇表达所代表的真正含义，不至于交流断层理解偏差。
下面要说混音，可能很多人就要开始准备站队了。一部分人认为，混音就是艺术创作，我不需要太多理论知识，我只要有我自己的独特审美眼光，配上我的金耳朵，听着对了就对了！那另一部分人就会觉得，混音是一门严谨的科学，那我所有的混音工作必须量化到具体数据和单位上，工作台常备科学计算器，时刻关注数字上的绝对正确性！
这样的理解无可厚非，毕竟混音就是这样一个大部分基于主观判断并且需要理论数据来做支撑的音频处理工作。我个人认为，混音的工作其实很难界定艺术与科学的边界，非常暧昧。一味的注重艺术创作而忽略理论，最终的混音作品肯定会变成一个不可控制不可描述的处理结果，不仅随机性强，还非常容易造成混音结果的不专业而导致整个混音不可用；另一个层面上，只注重理论堆砌和精确到小数点后五位的数值，最终的混音结果肯定是机械的甚至不是给人听的。
这也是为什么，一个完整的现代音乐一定要明确职能将制作的各个环节划分开来，创作、录音、混音和母带缺一不可。抛去录音这个几乎纯技术活儿不说，从创作到录音再到母带的每一个环节都是一个艺术到科学的递进关系。混音作为中间环节就更是夹在两头中间里外不是人。
作为完美的混音师，必须具备一定的音乐素养、艺术修为，能够正确的分析音乐尤其是录音素材在整个编曲理念和风格上的优劣取舍，还必须学习大量枯燥的声学、电学、计算机理论、甚至当代主流媒体格式演化及性能优势等。
当然空谈完美主义是脱离现实的扯淡理论，事实上每个混音师都有一套以自己的学识体系为根基，并与日常工作中形成的混音理念结合而形成的混音流派。这也是混音艺术的魅力所在！不同的人不同的信仰不同的理论基础不同的审美水准所造就的完全不同的混音风格。如果抛开这些差异，将混音局限于同一个世界同一个标准的话，那我们的remix再创作形式，甚至于每位混音老师的工作都可以被直接否定掉了。
说的有点远，也是为了解释混音工作必须一定程度上可控可复制的这个概念。
回过头我们再说今天的主题，在混音艺术创作下动态控制的重要性。
混音过程中的动态控制可以算作整个混音工作最重要的一部分。动态的控制和分布规划将会直接影响整个音乐的实际感受。
举一个最简单的例子，在不考虑编曲老师意见和淫威以及前期录音状况的情况下，混音师通过自己对音乐的理解，希望在一段小编制音乐中突出某一个乐器，那么相应的，最简单的处理办法就是将其他乐器的动态压缩掉或者将这一个单独乐器的动态提升起来。
再举一个简单的例子，在电声乐队的混音处理中，底鼓和贝斯通常是纠结在一起的。如果是乐队现场的话，苦逼的贝斯手迫于生活的残酷不得不一边拧小自己的音量一边忍受其他乐手的奚落。但是在混音中，出于大部分音乐的音乐性需要，我们会做底鼓的动态处理，要么避开贝斯低音的部分频段，要么直接轨道压缩或者闪避压缩，好歹也得让贝斯手硬气一次。当然这个例子只是通常情况下简单粗暴的入门做法之一，你也可以反过来处理贝斯，也可以用其他更复杂的处理手法。
这也从侧面证明了混音工作的创造性和艺术性，虽然所有的处理都是有理论依据并且可以复制的，但是知识面、审美、思路、眼界、技术经验的种种不同，也会导致混音结果的完全不同。
从这里，再引申到整个音乐的动态处理。
在做整个音乐或者乐章或者乐段的动态处理时，需要混音师做到从大局出发。能够从正面俯视整个音乐构成的“面”，根据音乐风格和音乐思想，结合混音师自己的音乐素养和混音理念，将所有音乐元素的动态，科学的，有针对性的分布开来。这也就是音乐作品的平衡性控制。
这里有人会说，这都是编曲或者制作人干的活儿，你一混音的又不写歌，你凭什么做这个！
当然，站在创作角度上，当然原创作者的想法最应该得到尊重和重视。但是混音师也是人啊，更重要的是混音师是第一次，直接的，认真的聆听完整的原创音乐作品的专业的鉴赏者！并且还是重要的二次创作，或者说深度创作的一个环节。理所当然的应该对整个音乐构成和平衡性做出权衡和处理。
所以，即使在编曲人、或者制作人、或者原作者强烈要求你不干都不行的这种情况下，作为一个有责任心的混音师，也不能放弃对音乐作品的全盘掌握，你必须将你的想法表达出来并融入你的混音作品中去，当然这一切都要得到创作方的认可。
再说回到音乐整体的动态控制，这里有一个比较直白的方法可以供大家参考一下。首先将目标音乐划分大致的音乐类型，然后分析各个音乐元素的具体构成，在心中建立一个相对基准的目标动态范围或者一个更具体的动态基准值，之后再将整个音乐分段，将不同的音乐元素按照需求整理进去。
这样做的好处就是可以帮助你有理有据的安排设计整个音乐的动态平衡。因为不同音乐元素的动态分布处理是表达音乐情感起伏的关键！交响乐中不同乐章不同章节的动态变化相对来说非常明显，这样就可以明显的表达出一个完整的交响乐所希望表达出的所有情感。就像讲故事一样，起承转结分明，情绪随着音乐动态的调动不断起伏，最终五彩斑斓。
近年来dubstep风格的兴起和进化，让电子音乐的动态明显增加了，这就是为了调动更多的音乐情绪。早年的disco舞曲一路high到头的方式明显不够用了。虽然大响度无平衡音乐会让人倍感哈皮，但是很容易造成听觉疲劳，说白了就是听多了就没感觉了。毕竟人类无法长时间保持亢奋状态，不然的话轻则四肢抽搐重则一命呜呼......
在做整体的动态分布规划的时候，我们可以画一个简单的图表。我们将横轴设计为音乐在时间上的分布，比如按照主歌、副歌这样分好段落，纵轴上按照从弱到强将需要表达的动态强度按照设想的级别简单划分出来，然后根据预先设计好的目标动态范围或者具体的动态基准值，将不同器乐或者音乐元素填充进去，这样就可以做到全局上的心中有数。
这里总结一下，从小范围的混音技巧上说，动态处理是为了解决声音混合的实际问题而存在的，如果声音混合出了问题，作品肯定是不可使用的废品；从大范围角度说，整个音乐结构的动态分布规划能够充分表达音乐思想和情感，是音乐艺术表达不可忽视的一个重点。所以！在任何情况下，动态处理都是混音工作的核心之一！
以cd格式为例，16bit的采样深度即可产生0-65535级的声压级变化，也就是说，举个例子，一首歌曲的动态范围是100db，在cd中，这100db会分成65536份也就是2的16次方份，量化为数字的0,1组合，也就是说100db中会有65536个级别划分，每个级别约承载0.0015db。看起来数值不大，形成的阶梯划分几乎可以忽略不计了，但是人耳是非常灵敏的，如果将16bit的采样深度转换为24bit，其动态上细分的差异仍然可以被比较明显的感知出来！
上面说的都是pcm（线性音频采样）格式，如果是这两年开始逐渐火起来的dsd格式，虽然采样深度是1bit的，但是因为采样原理的不同，dsd对动态的记录理论上是完全无限大的！和真实发声的声音并无区别。因为dsd在记录声音时，不是先将动态量化分层，而是连续记录前一个采样点到接下来的采样点之间的响度变化。也就是说，这样的记录方式决定了dsd格式的采样在理论上达到了和自然界声音产生原理完全相同的相对点记录，能够用采样回来生成的数字波形模型完全还原声学波形。从而带来动态信息数字记录的理论无限范围。
说了这么多动态的事儿，肯定有不少人会觉得通篇废话，没有一点儿实质内容。
但就像我所理解的，混音是一门艺术，是一门需要过脑子，需要你有独立认知和思想来进行创作的工作！基础的混音方法固然重要，但就像绘画一样，首先我必须熟知每一个颜料的色彩和特性，更重要的是，我需要有更加深入的艺术思想，将每一种颜料按照我的想法构成一整副最终的绘画作品！
所以，写给大家，去吸取任何艺术的气息，去感受任何生命的情绪，去纵览世界，去追逐科技，这一切都会对你的混音乃至你的生活提供莫大的助力。
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